“blaine fontana”

作品にはどれにも彼独自のユニークな人物や生き物「Templings(テンプリングス)」(−Temple(寺)とBeing(生き物)を合わせた造語−) が描かれている。それらのキャラクターと共に、グラフィックカルな風景、人物、実際の日付を表す数字記号や、制作中の思考を書き留めた作品のテーマやコンセプト共に埋められていき、平面、オブジェ、インスタレーションといった幅広い表現手段へと展開されてゆく。
特に、北西インディアンの民間伝承や絵画的形象、詩人の散文や逸話、または動物の種別などの豊かなモチーフとユニークなテクスチャを含む背景が、それぞれの作品に描かれた情報と色彩を魅力的にさせていくだろう。

Blaine Fontana currently lives and works in Portland, Oregon. Imbuing his vision with the divine symbolism of religious myths, worldly folklore and current social dynamics, his works contain a kind of shamanic exploration of meaning that recognizes the totemic quality and power of the image. With extensive experience within the design world, including working as a designer for Felt Bicycles and acting art director for Zero+ Publishing, Fontana’s work displays a virtuosic understanding of sign & simulacra and their role within our contemporary visual culture. Straddling the physical and metaphysical, organic and architectural, painterly and graphic sensibilities, Fontana fuses multiple visual strategies to forge an aesthetic language entirely of his own making.

Blaine Fontana received his BFA in Communication Art/Design from Otis College of Art and Design in Los Angeles, CA in 2002. He was awarded “Best in Show” for his senior thesis project, and is one of only seven distinguished alumni from 2000-2010. He is currently an Advisory Board member for the Northwest College of Art.

Q1:まずあなたのバックグラウンドを教えてもらえますか?
37 歳、既婚、犬2 匹、アメリカオレゴン州ポートランド在住、アメリカ北西部大好き。芸術の学士号持ち、ワシントン州のピュージェット湾生まれ、熱心な園芸愛好家であり旅行家、盆栽熱狂者。バイク6 台持ち、全てにおいて本物が好き、食べること、寝ること、息すること、アート、デザインも好き。
僕のプロとしてのキャリアは十年前に最初で最後のアートディレクターとしての仕事をクビになった後に始まりました。
10年経っても正式なトレーニングを受けずに仕事をしています。
自分のメインの学部はは商業イラストで、最低限なことしかやっていません。卒業後に5 回イラストの個展を行いました。ですが1000 を超す芸術、造形、デザイン、家具、イラスト、本、壁画作品、公演を行ってきました。一番の喜びは今までの作業の満足と痛みを親友でありスタジオパートナーでもある妻と共に分かち合うことです。
彼女とは彼女が共同設立したデザイン仲介の代理店で出会いました。
そのころ僕は芸術学校の3 年生でインターンとして彼女のもとで働いていました。最近ではスタジオで過ごすほとんどの時間は個人的なペイントの依頼や販売、ZERO+ 出版の高級芸術書籍、Wordpress のコンサルティング、ローカルグラフィックアイデンティティーシステム、環境デザイン、ワークショップや講演での芸術指導を行っています。
Q2:アーティストとして活動し始めたのは何歳ごろですか?またそのきっかけは?
12 歳ぐらいの時にどこからともなく。
Frank Miller のグラフィックノベル代表作Batman: Dark Knight を読んで自分のイメージのスタントアクションの流れを描くストーリーボード用に彼のスタイルをコピーし始めました。
その頃は両親のVHS カメラを使って自作のアクションムービーを記録するために本当に危険なスタントをしていたのでどのようにして精巧で派手なシーンを描くのかを学ぶ必要がありました。
こんな男の子っぽい遊びをしていた友達と育つ中でSunday Seattle 新聞にあった何人かの地元のグラフィティーアーティストの特集を見つけました。それからはそんな遊びも終わり、8 年間ほど完全にグラフィティーにのめりこみました。それが僕の人生であり、ファミリーであり、僕の回りの環境であり、創造的な表現方法でした。
結果的に、僕が高校3 年生の時に近所の職業としての商業アートを勉強する学校に通うことを許可されました。
17歳という多感な時期に写真、デザイン、イラストなどを勉強することができました。卒業後は22歳くらいになるまでグラフィティーライターとしての向上心を持ち続けていました。6回捕まって、最後は大学の1学期の時のロサンゼルスでした。
それ以上自分の学業を危うくすることはできませんでした、特に母が祖父の遺産を使ってしてくれた自分への投資を。
Q3:アートは人々に影響をもたらすと思いますか?もしそうであればどんな事だと思いますか?
アートが人々に影響するかをあえて言うなら、アートは命を救う。
これは理論でも何でもなくて、実際に僕の身に何度も起きていることです。2006年にサンフランシスコでものすごいパワフルなメールをある若い女性から受け取りました。ある朝彼女はカフェを出て家に着いたら死のうと決めていたそうです。彼女はたまたまHaight-Ashbury にある高台の広場のギャラリーに入りました。そこには僕が初めて出した本が窓のところに飾られていました。
その本が彼女の目にとまり(ちらっと目に入っただけですが)、購入して家に帰りました。彼女はその本をしばらく読んだ後、人間のものすごいパワフルな可能性、そしてこれ以上ないどん底の状況で人間の創造性がどのようにして一番輝くのかに気付かされました。そこで彼女は考えが変わりました。アートは永久に最も破壊的な力の一つになりえるのです。
Q4:作品を作る際にいつも心がけていることはありますか?
誰かが無意識の中で、または直接僕に「これどうやったの?」と質問するときに彼らが僕の創造力が伝わっているか気になります。
それには3 つの理由があります。
初めに、僕はいつもいくつかの表現( 演出) を早い段階で意識的に残します。僕のアートを見るとすべての工程の流れがペイントに表現されています。二つ目は、風格を持って苦労してないように見えるものを創造することにあこがれるけどとても難しいということ。
最後に特にデザインにおいては目に見えないものが残ります。良いデザインは透明感があって訴えかけるものがありますが、アートに慣れていない目にはそうは映らないし本人にはなぜかはわかりません。
それに対してヒドいデザインは意思がなく、悪趣味で、感じが悪く、時代遅れに見える。これが最高の作品を作る上で「less is more」( 素朴なものにほどたくさんのことがある)という美学とうまくやっていく方法だと思います。
Q5:今回坩堝は「日本」をイメージした作品を依頼していますが、どのような作品作りをしましたか?
僕の鯉の表現は2005 年からの作品の中で象徴的な存在になっています。
長い間これを描いていなかったので今回この尊ばれている日本の仲間であり神話的な生き物を作品に入れたのはちょうどよかったと思います。
僕にとって何が特別だったかと言えば、長い間鯉を描いていなかったこと、その間に僕のペイントの技術がどれだけ上達したかということで今までに描いてきた全ての鯉を比較できたことです。
鯉は僕にとってはタトゥーを入れる上でそれ自体から、そしてこの魚にまつわる言い伝えからインスパイアされる主要な力のシンボルです。
Q6:最後に坩堝に参加しようと決めた理由を教えてください。
単純に…MHAK! 彼は素晴らしくて、影響力を持っていて、謙虚な男です。彼のことを僕の友達であり仕事仲間と呼べることをうれしく思います。さらにRUTSUBOの作品はとても高級志向で想像力に富んでいて僕のイメージにうまくフィットします。
このプロジェクトに参加できたことは本当に光栄です。。
Q1 : Firstly can you tell us your background including your career?
I’m 37, married, 2 dogs, live in Portland, OR USA, addicted to the Pacific Northwest, have a Bachelors degree in Fine art, grew up on a Island in the Puget Sound, WA, avid gardener and traveller, bonsai enthusiast, have 6 bikes, love all thing authentic, and eat, sleep & breathe art & design.
My professional career began a decade ago after being fired as an art director for the first and last time in my entire life. 10 years later, I’m still doing work I never had any formal training in. My core degree was commercial illustration. I have only done essentially 5 illustration gigs since graduating.
Whereas I have created over thousands of fine art, sculpture, design, furniture, installations, books, murals & lectures. The biggest joy is that I have the pleasure and pain of working with best friend, studio partner and wife for all these years. We met in her own co-founded interactive design agency.
I was an intern for her for a year in my junior year of art school.
These days, most of our time spent in the studio is on private painting commissions & sales, art directing high end art books for ZERO + publishing, wordpress consulting, local graphic identity systems,environmental design, and workshops/lectures.
Q2 : What age have you started your activity as an artist, and what did motivate you?
When I was around 12 years old, and it really came out of no where. I was introduced to Frank Millers masterpiece graphic novel of Batman:Dark Knight. I began copying his style for our imagined stunt action sequences in storyboards. We were recording really dangerous stunts with our parents VHS cameras to make home action movies. I had to learn how to draw these elaborate figurative scenes.
As we always grow up, the same friends who I had been doing this boyish fun with, all discovered an article in the Sunday Seattle Times paper featuring some local graffiti artists. It was over after that. I became entirely entrenched in the graffiti world for 8 years. It was my life, my family, my social atmosphere, and creative outlet.
Lastly, during my senior year in High School, i was granted permission to commute to a neighboring school to study their vocational commercial art courses. I was able to study photography, design, illustration at the impressionable age of 17. After graduating I continued my aspirations as a graffiti writer until when I was about 22. I was arrested for the 6th, and last time in Los Angeles while attending my first semester of college. No longer could I jeopardize my education, and especially the investment my mother had made in me with her fathers inheritance money.
Q3 : Do you think art influences people? If you do, what kind of thing does it?
To say it influences people is an understatement, it saves lives. This isn’t a theory, it has happened to me several times. I received an overwhelmingly powerful email from a young woman in San Francisco in 2006. She was intent on killing herself after leaving a cafe one morning once she got home. She just happened to walk into the upper playground gallery in the Haight that was displaying my first published book in the window. It caught her eye, she briefly glanced at it, bought it and brought it home. After spending some time with it, she was reminded of our undeniably powerful human potential, and how human creativity can be at its brightest in the most darkest situations. She changed her mind. Art can be one of the most destructive forces for good.
Q4 : Do you have anything to pay attention when you do your work?
I obsess about someone looking at my creativity when they ask themselves sub consciously or me directly… “How did you(he) do that?” Its a 3 part process. First, I always consciously leave some of the earliest renderings, in my art visible, so the story of the entire process of my work is represented in my paintings. Second, to masterfully create something that looks effortless is the hardest accomplishment to aspire to. And lastly, especially in design, it remains invisible. Good design is transparent & inspiring but for the untrained eye, but one doesn’t know why. Whereas awful design looks thoughtless, vulgar, abrasive and dated, its obvious. This is a way of dancing with “less is more” aesthetics while producing your best work.
Q5 : This time, RUTSUBO held up “JAPAN” as the theme, and could you let us know how you projected the theme to your artwork?
My koi renderings have been an iconic presence in my work since 2005.
I hadn’t painted one in many years so it was so appropriate to use this revered Japanese folk and mythic creature in the piece. What was really special for me was that since I hadn’t rendered one in several years, and how my painting techniques have been refining themselves for many years, it was a unique to all the other koi’s I’ve painted in the past in comparison. The koi is a major power symbol for me having a tattoo inspired by one, and the mythology that is inherent with this fish.
Q6 : Finally, please describe what made you to participate RUTUBO project.
Simply…. MHAK! He is a brilliant, inspiring and modest man. I’m proud to call him my friend and colleague. Well, and secondly, the product output of the RUTSUBO line is high end, imaginative, and fit well with my vision. It truly was an honor to contribute to this project.

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